La colección de cortos de Lars Van Houten está vertebrada por el eclecticismo de las
distintas técnicas y filosofías que, desde que los hermanos Lumière comenzaran la labor del cinematógrafo, han ido apareciendo merced de la sabiduría derramada por los distintos sabios que se han arrimado a esta bella profesión.
Des amis versus Des enemis viene a reflejar el eterno drama de la dualidad amorodio. La presencia en él del efecto Kulechov mediante el cual, manteniendo la misma cara en un fotograma, ésta expresa distintos mensajes en función de las imágenes que le preceden o le anteceden. La mirada, de la que se ha dicho que expresa de forma cristalina el pensamiento más profundo, se rompe aquí y da lugar a un desasosegado juego polisémico. ¿Serán amantes?; ¿serán amigos? La trama aquí llega hasta los áridos mensajes que Samuel Beckett nos dejó en “En attendant Godot”. El montaje pasa, de ser parte de la narración, a ser la parte más importante de la narración. La obra de Einsenstein es crucial para entender el poder narrativo que adquiere la edición y la fragilidad de las tomas en bruto. La espiral que forma la espuma de la taza de café lleva a los momentos que las dos caras están evocando en el ruidoso silencio del local en el que tiene lugar la cita. El sentido de ese encuentro podría haberse convertido en cualquier otra realidad con tan solo haber cambiado las secuencias que le dotan de un mensaje concreto.
Metrópolis indaga en la magnitud de la actitud crítica ante una sociedad alienada que camina, irreflexivamente, hacia unos objetivos marcados desde fuera de la voluntad de sus protagonistas. La diferencia se toma, como en los versos de Goytisolo, como la norma, siendo el comportamiento socialmente aceptado el que camina hacia atrás, en una clara alusión hacia la regresión que significa la condición de ciudadano normalizado. De hecho, la presencia de elementos claramente identificados con las estructuras del Estado, como son los policías, ayudan a comprender, con mayor claridad, el sentido revolucionario del paseo hacia adelante.
En Artificielle Peau se expresa, con elementos que recuerdan las películas de suspense de Hitckcock, el horror interno del individuo ante la imagen de sí mismo. Tomando una de sus secuencias más famosas, se da preámbulo a una explicación dolorosa de la negación reflexiva del ser humano. El plano detalle del sumidero adquiere la significación de espacio por el que el individuo pierde su último elemento natural, simbolizado por el agua, y queda anegado ante la visión de su máscara social. El cuerpo desnudo ante el espejo refleja este divorcio entre el ser natural, que se diluye, y el ser social, cubierto por una espesa tela de costumbres y construcciones sociales artificiales. El ojo vouyeurista retrata el mundo psicológico que observa al propio sujeto desde la posición del que mira encadenándose en el pezón mediante la similitud del círculo. Dos contraplanos semejantes a los que utilizó Buñuel en “El Perro Andaluz”.
La Nuit es una alegoría de la pena de muerte. No la pena de muerte como aplicación
de un código de justicia determinado, sino de la muerte como consecuencia de la elección hedonista de ciertos límites en los que encontrar el placer sumado al riesgo. Las bocas anónimas aluden al sexo impersonal, esporádico y con la distinción del género pero no como condición “sine qua non”.
La colección de Lars Van Houten termina con la salida del amigo del bar del encuentro, en un largo plano agónico y con un vaso en primer término como alusión a la rutina que, a pesar de todo, es la vida, tesis fundamental con la que Van Houten empasta y uniforma su colección.

Alexander Strawberry